Am Samstag, dem 12. September, um 16 Uhr wird in der Klaipėda-Galerie (Bažnyčių g. 6) der Klaipėda-Sektion des litauischen Künstlerverbandes die Ausstellung „Visa-ta(i)“ der Künstlerin und Reisenden Ieva Rutė eröffnet. Kuratorin ist Danguolė Ruškienė. Dies ist bereits die zweite Präsentation von Rutės Schaffen in Klaipėda. Die Künstlerin, die mit verschiedenen Medien arbeitet, vereint in einer Ausstellung unterschiedliche Elemente des Lebens, aus denen sich ihr persönliches Universum zusammensetzt. In dieser Einzelausstellung offenbart sich nach und nach die von der Künstlerin erlebte und geschaffene Welt, in der sie lebt. Es ist ein Raum, in dem die Zeit, wie die meisten von uns sie wahrnehmen, nicht existiert. Hier ist sie anders.
Die Ausstellung besteht aus drei Hauptteilen. Im ersten Teil präsentiert Rutė mehrere Tee- und Kaffeezeitungen, die in den Jahren 2025–2026 entstanden sind, sowie Teezeitmaschinen – Geräte, die Zeit für den Teegenuss mit nahestehenden Menschen schaffen. Im zweiten Teil der Ausstellung geht es um Neurodiversität und die Gefangenschaft der zerbrechlichen menschlichen Psyche im „Käfig der Normalität“. Im dritten Teil präsentiert die Künstlerin Häuser, in denen sich nicht nur unsere Träume und Hoffnungen einnisten, sondern auch unsere Ängste. Die Ausstellung ist bis zum 24. Oktober zu sehen.
In der Ausstellung „Visa-ta(i)“ entsteht eine vielschichtige Welt, sowohl im visuellen als auch im verbalen Sinne. Auch ihre Zeit ist vielschichtig und entzieht sich daher der üblichen Wahrnehmung des Zeitbegriffs. Die Künstlerin reflektiert hier ihre Erfahrungen, verflochten mit Gedanken, Einsichten, Träumen, Hoffnungen und jenen Momenten, die ganz andere Gefühle hervorrufen: Unruhe, Anspannung und schließlich Angst. Rutė verknüpft die derzeit wichtigsten Aspekte ihres Lebens zu einer einzigen Kette. Sie beginnt ihre Erzählung bei ihren Wurzeln und lädt in den Raum ihres Vaters – des autodidaktischen Malers Petras Rutė (1934–2016) – ein: die Ausstellung in der Nischen-Galerie (KLAVB). Anschließend nähert sich die Künstlerin der Gegenwart. In ihrer Einzelausstellung in der Galerie in Klaipėda präsentiert sie nicht nur ihr eigenes künstlerisches Schaffen, sondern auch Zeugnisse und Artefakte, die eine enge Verbindung zu anderen Menschen verdeutlichen.
Ein Teil der Ausstellung ist dem japanischen Keramikkünstler und Meister der Holzbrandöfen, Sensei Masakazu Kusakabe (1946–2023), gewidmet („Das Zimmer des Lehrers“, 2019–2020). Rutė war mehrere Jahre lang seine persönliche Assistentin und Schülerin. Gemeinsam reisten sie zu einem Keramik-Symposium in Nordzypern, und in Japan baute sie in Senseis Ateliers in Miharu und Mashiko Holzbrandöfen. In den Jahren 2022–2023, als sich Japan nach der Pandemie wieder öffnete, verbrachte die Künstlerin die letzten Monate seines Lebens mit ihrem Meister und begleitete ihn gemeinsam mit seiner Familie auf seinem letzten Weg. Rutė ist bestrebt, das Vermächtnis ihres Lehrers zu bewahren. In der Ausstellung schafft sie einen intimen Raum, in dem jeder die Möglichkeit hat, den Sensei Masakazu Kusakabe, seine Bücher, seine Keramikwerke und seine Skizzenalben kennenzulernen.
In „Zum Tee eingeladen“ (Zeit für Tee 2026) erschafft die Autorin eine Welt, in der die Gemeinschaft zum Mittelpunkt des Seins wird und der Tee selbst den Raum bildet, in dem sich diese Gemeinschaft entfalten kann. Teeblätter dokumentieren gleichsam als Schreibwerkzeuge die in Gesellschaft verbrachten Minuten und schaffen „Teespuren“ – die von den Teekräutern auf Fotopapier hinterlassenen Spuren. Die konkrete Zeit, die in Gesellschaft eines bestimmten Menschen bei einer Tasse Tee verbracht wurde, wird mit von der Autorin konstruierten Geräten festgehalten. Dabei spielt es keine Rolle, ob sich dieser Mensch physisch hier, auf einem anderen Kontinent oder bereits in die Ewigkeit entschwunden befindet. Jeder kann zum gemeinsamen Teetrinken eingeladen werden. Dazu ist keine physische Verbindung erforderlich, und der Begriff der Nähe erhält eine deutlich umfassendere Bedeutung. „Die Zeit sickert Tropfen für Tropfen durch die Teeblätter, fließt in die Tasse, sickert durch deren Poren auf ein Porzellantablett, das aus in Porzellan eingeweichten und bereits gebrannten Teeblättern gefertigt ist. Sie füllt die von den Blättern hinterlassenen Hohlräume aus, färbt sie ein und bringt die Blätter so in ein Dasein zurück, in dem alles nur in unserem Bewusstsein existiert.“
Entstehende Bilder. Die Teezeit wird durch Tannine auf dem Filter festgehalten, der sich täglich verändert und mit fraktalen Mustern der Teezeit verziert wird. All dies handelt von der Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit des Lebens und der Beziehungen, vom ständigen Wandel, bei dem nur das echt ist, was in diesem Augenblick geschieht“, erklärt die Autorin. Auf diese Weise werden die von ihr verwendeten Geräte zu einer Art „Teezeitmaschinen“, die ganz anders funktionieren, als es sich die meisten vorstellen. Rutė gibt zu, dass in ihrer Ausstellung nichts „normal“ ist, vielleicht weil „Normalität“ für sie zu einem Käfig wird, aus dem man zu entkommen versucht.
Die Installation „Veränderliche Formen“ (Im Käfig der Normalität, 2023–2024) thematisiert die neurologische Vielfalt und die Gefangenschaft der zerbrechlichen menschlichen Psyche im „Käfig der Normalität“. Kontrastierende Materialien – zerbrechliche Porzellanplatten und grober Draht – verdeutlichen die mögliche Vereinigung von Gegensätzen in einem einzigen Gebilde. Die daraus entstehende Spannung hält die Geschlossenheit der Form nicht aufrecht und bricht gewissermaßen aus den Rahmen heraus, wodurch deutlich wird, dass Normalität keine unveränderliche Gegebenheit ist. Es handelt sich lediglich um einen Begriff, der durch kulturelle und gesellschaftliche Vereinbarungen definiert wird. Sie ist also nicht so unumstößlich, wie es den Anschein haben mag.
Eines der wichtigsten Themen der Ausstellung ist das Zuhause (Zuhause, 2025). „Wir bemühen uns, so gut wie möglich zu leben. Wir versuchen, ein Zuhause zu schaffen, in dem unsere Träume, Hoffnungen und Ängste Platz finden. Aus Schamotteton errichte ich das Grundgerüst des Hauses. Die Konstruktion fülle ich mit dünnen Porzellanplatten, die ich vor dem Brennen auf Geschenkpapier lege, das an meine Kindheit erinnert und mit den Ringen der Olympischen Spiele von 1980 bedruckt ist. Die Schichten aus Porzellan und Papier werden aufgerollt und zwischen die groben Rahmen der Konstruktion geklemmt, die die Zerbrechlichkeit des menschlichen Lebens und Bewusstseins verdeutlichen. Die gesamte Konstruktion wird drei Tage lang in einem Anagama-Ofen gebrannt, wobei das Feuer und die Flammen des Lebens das Papier als Symbol für verblassende Erinnerungen verbrennen. Feuer und Flammen verleihen der beschädigten Struktur ihre endgültige Form, die durch zerbrechliche Fenster der Liebe blickt, die jedes Mal zittern und zerfallen, wenn sie von der Schuld berührt werden, die ich empfinde, weil ich nicht so gut war, wie meine Nächsten es sich erhofft hatten“, erzählt die Künstlerin. Die von ihr geschaffenen Häuser verändern sich ständig. Die zerbrechlichen Porzellanblättchen zerbrechen und zerfallen während der gesamten Lebensdauer des Werks – beim Transport, beim Berühren, während sie durch die Ausstellungsräume wandern.
Ständiger Wandel – das ist der zentrale Gedanke und die Botschaft der Künstlerin, die sich durch den gesamten Inhalt der Ausstellung zieht: „Die Vergänglichkeit ist ein untrennbarer Bestandteil selbst von so langlebigen Materialien wie gebranntem Ton und Porzellan. Sie ist ebenso ewig wie vergänglich.“ Somit wird die Vergänglichkeit hier nicht als Gegensatz zur Ewigkeit verstanden, sondern als eine ihrer Formen. Selbst das, was beständig und unveränderlich erscheint, unterliegt dem Einfluss von Zeit, Umgebung, Beziehungen und ständigem Wandel. In der Ausstellung wird die Vergänglichkeit nicht zum Zeichen des Verlusts, sondern vielmehr zur Voraussetzung der Existenz. Was ist, verändert sich unweigerlich. Und was ewig zu sein scheint, birgt in sich stets die Möglichkeit der Vergänglichkeit.
